CORSO TRIENNALE

Creazione scenica vuol dire generare un’azione, o una non azione. Che cosa significhi azione sarà il tema affrontato lungo tutto il triennio. Creare è la massima espressione dell’attore-autore che compie delle scelte per dar vita al qui e ora. Le opere di William Shakespeare saranno il nostro terreno, in cui seminare e contaminare attraversando il nostro vissuto. Attraverso l’improvvisazione, l’interprete utilizza il testo come pre-testo per mettere insieme gli elementi scenici modificando la prospettiva, regalando un diverso punto di vista allo spettatore. Il percorso creato sarà sempre nuovo e diverso, e sarà inoltre necessario utilizzare tutti gli strumenti umani, recitativi e tecnici per poter realizzare una nuova visione che sappia essere efficace.

L’artificio scenico dell’attore è il mezzo più potente per creare e condividere. Il creatore prima dell’interprete. Essere autori di se stessi.

Il cuore pulsante di ogni atto performativo è il cuore stesso, inteso come sentimento vivo e vibrante. La ricerca dentro se stessi di un sentimento autentico, incanalato in un’immagine performativa vivida e precisa, sarà il punto focale del lavoro svolto insieme.

Creare è un allenamento costante, un’educazione all’ascolto di se stessi, degli altri, di ciò che accade nell’atto performativo in ogni suo aspetto. Come attori e come attrici è fondamentale sapersi escludere per fare ciò che è necessario alla scena.

“L’ATTORE È UN ATLETA DEL CUORE”
Questo diceva il grande Antonin Artaud e noi lo usiamo come titolo dei nostri laboratori.
Il nostro lavoro deve essere anche e soprattutto una ginnastica sentimentale ed emotiva. Il gesto teatrale possiede in sé l’arte di comunicare non solo a coloro che assistono, ma anche al cuore e all’anima dell’artista che lo sta facendo.
Solo attraverso un onesto e profondo studio delle proprie emozioni si diventa capaci di comunicare; solo attraverso il nostro corpo che vibra per una parola detta, si può accendere una luce drammaturgica, gestuale e musicale che permette all’attore di parlare e raccontare, di creare unioni e condivisioni indispensabili alla vita umana.
Il Teatro e la Musica come mezzi di crescita emotiva e culturale e soprattutto interiore: la musica diventa scena in un vero e proprio spazio nuovo in sintonia e complicità con le proprie emozioni, nella scoperta di nuove possibilità espressive e creative.
Un percorso musicale e teatrale dove l’ascolto diventa essenziale ai fini della percezione dello spazio scenico e del rapporto con l’altro, dove l’improvvisazione significa “andare al di là di ciò che si sa” (Miles Davis).
In questi incontri si esplora il proprio sentire per far sì che il gesto diventi racconto, incontro, unione e diversità e ancora musica, canto, liricità e poesia. Dove il ridere possa diventare grimaldello per aperture sconosciute e profonde.

SEMINARIO TEATRALE CON MARIA GRAZIA MANDRUZZATO

PROGRAMMA PRIMO ANNO

La presenza scenica – lo spazio – l’azione fisica
Dal neutro al personaggio

Training psicofisico: lavoro sulla postura utilizzando principi del taiji chuan

LA PERCEZIONE – IL NEUTRO

Un lavoro di base su sé stessi. Cercare di essere permeabili, disponibili perché tutto possa accadere, perché qualcosa ci possa attraversare. Cercare il punto d partenza, il vuoto prima del pieno.

DAL NEUTRO AL IL PERSONAGGIO

Successivamente, partendo dall’osservazione di alcuni quadri di Edward Hopper ogni attore cercherà il proprio personaggio costruendone una logica fisica e psicologica.
Hopper è un pretesto di partenza: intimità spiate. Interno ed esterno. Desiderio e abnegazione. Provocazione Forza e vulnerabilità. Confini e frontiere. Se si parte da un testo, il punto di partenza sono le parole. Qui si partirà dall’osservazione del quadro. Ciascuno inventerà una storia, una biografia del personaggio scelto; si cercheranno materiali (testi, ricordi, racconti, azioni fisiche) del personaggio.
In un secondo momento si creeranno piccole situazioni di improvvisazione che permetteranno all’attore di verificare e scoprire il personaggio in azione e in relazione.

LA RELAZIONE – LO SPAZIO

Il teatro è prima di tutto luogo di relazione: attore- spazio, attore-attore, attore-pubblico. Si cercheranno piccole storie giocando con questi elementi. Si può “ parlare-creare” anche semplicemente sapendo utilizzare lo spazio, assumendolo e avendo coscienza e scegliendo le linee di relazione su cui lavorare

FISICITA’

Costruzioni di piccole sequenze fisiche che saranno la base per improvvisazioni individuali o di relazione
I triangoli: strutture compositive di azioni fisiche nello spazio che serviranno di base per improvvisazioni collettive.
I partecipanti saranno invitati a portare alcuni frammenti di testo, poesie, piccole riflessioni o pezzettini presi dal giornale sui temi: il confine io- l'altro, la soglia il dentro-il fuori, Paura- desiderio che possono essere utilizzati come materiale di lavoro.

PROGRAMMA SECONDO ANNO

“Cercando un attore credibile e responsabile del proprio processo creativo. “

Prima parte: la formazione dell’attore : il corpo, lo spazio, la percezione
Seconda parte 
– Dal neutro al personaggio:
– il neutro: Un lavoro di base su se stessi. Cercare di essere permeabili, disponibili perché tutto possa accadere, perché qualcosa ci possa attraversare. Cercare i punto di partenza, il vuoto prima del pieno.
– dal neutro al personaggio: mettere dentro di sé la vita di un'altra persona 
– il monologo interiore 
– mettere dentro di sé le circostanze del personaggio 
– il personaggio in situazione (scene) 
– Analisi del testo per l’azione: come aprire il testo, la vita dei personaggi, come scegliere le circostanze che permetteranno all’azione di apparire e all’attore quindi di agire.  Sono le circostanze del personaggio che l’attore mette dentro di sé che
permettono all’azione di apparire.  L’azione implica una trasformazione interiore. 
Ma che cos’è l’azione? E come fare in modo che l’azione avvenga? L’attore ha tre possibilità per esprimersi: il silenzio, il comportamento, la parola. 
“L’azione è come il colore per un pittore o il suono per un musicista” A. Vassiliev
IL nostro strumento drammaturgico di ricerca per il lavoro : testo da
definire

PROGRAMMA TERZO ANNO
Antigone
Personaggi funzione dei personaggi, coro.

“Recitare è vivere con verità all’interno di circostanze immaginarie.”
— Sanford Meisner

Il percorso proposto nasce dall’integrazione delle tecniche di Sanford Meisner e Michail Čechov e si rivolge ad attori, studenti e professionisti che desiderano approfondire il proprio processo creativo.
L’obiettivo principale è sviluppare una recitazione autentica, organica e personale, fondata sulla verità dell’esperienza e sulla capacità di abitare le parole prima ancora di pronunciarle.

Partendo dall’osservazione che, di fronte a un testo, l’attore tende spesso a bloccarsi e a rifugiarsi in toni o interpretazioni precostituite, il programma si concentra sul superamento di queste barriere attraverso un lavoro che unisce ascolto, immaginazione e analisi esperienziale del testo.

Obiettivi Formativi

Obiettivo generale

Sviluppare un metodo di recitazione che consenta all’attore di creare interpretazioni uniche, radicate nella propria esperienza emotiva e nella piena comprensione del testo.

Obiettivi specifici

• Acquisire consapevolezza scenica e capacità di presenza.
• Allenare l’ascolto come fondamento dell’interazione attoriale.
• Sviluppare l’immaginazione creativa per generare impulsi e immagini interiori utili alla costruzione del personaggio.
• Integrare corpo, voce ed emozione in un processo espressivo organico.
• Analizzare e vivere il testo attraverso un approccio esperienziale, superando l’interpretazione meramente intellettuale.
• Creare personaggi autentici e originali, non basati su imitazioni o modelli preconfezionati.

Metodologia

Il programma adotta un approccio laboratoriale e dinamico, in cui teoria e pratica si intrecciano costantemente.
L’integrazione tra le tecniche di Meisner e Čechov consente di affrontare il lavoro attoriale da tre prospettive complementari:

1. Ascolto e Reattività (Metodo Meisner)
   • Esercizi di ripetizione e connessione con il partner.
   • Sviluppo della spontaneità e dell’autenticità emotiva.
   • Superamento dei blocchi derivanti dal controllo razionale della recitazione.
2. Immaginazione e Gesto Psicologico (Metodo Čechov)
   • Attivazione dell’immaginazione creativa attraverso immagini interiori.
   • Utilizzo del gesto psicologico per accedere a impulsi e stati emotivi profondi.
   • Espansione del potenziale espressivo dell’attore.
3. Analisi Esperienziale del Testo
   • Studio della drammaturgia attraverso un approccio corporeo ed emotivo.
   • Associazione di ogni fase dell’analisi a esercizi pratici.
   • Trasformazione del testo da oggetto intellettuale a materiale vivo.

Struttura del Percorso

• Fase 1 – Presenza e Ascolto
  Consolidare le basi della recitazione attraverso esercizi mirati al radicamento, al respiro e alla connessione con il partner.
  Obiettivo: sviluppare consapevolezza scenica e capacità di risposta autentica.
• Fase 2 – Immaginazione Creativa
  Utilizzare strumenti derivati dal metodo Čechov per ampliare le possibilità espressive, generare immagini potenti e liberare impulsi emotivi.
  Obiettivo: accedere a un linguaggio scenico personale e ricco di sfumature.
• Fase 3 – Analisi Attiva del Testo
  Integrare esercizi fisici, improvvisazioni e studio drammaturgico per vivere le parole attraverso il corpo e le emozioni.
  Obiettivo: trasformare il testo in esperienza concreta, evitando interpretazioni stereotipate.
• Fase 4 – Creazione del Personaggio
  Sviluppare un processo creativo che unisce ascolto, immaginazione e testo, dando vita a personaggi unici e irripetibili.
  Obiettivo: raggiungere una recitazione autentica, organica e personale.

PROGRAMMA PRIMO ANNO 

“AUTORITRATTO”

“Corpo Attore”
Movimento scenico, presenza e drammaturgia del corpo

Il corpo è il primo strumento dell’attore e dell’attrice: prima della parola, prima dell’interpretazione, prima ancora dell’idea di personaggio, c’è una presenza che abita lo spazio, ascolta, reagisce e costruisce relazione.

Corpo Attore è il percorso di movimento scenico pensato all’interno del triennio di AMA per sviluppare consapevolezza fisica, precisione, disponibilità all’azione e qualità della presenza in scena. L’obiettivo non è costruire un movimento “bello”, ma un corpo pronto, permeabile e reattivo, capace di abitare la scena con verità, intenzione e libertà. Un corpo che non esegue soltanto, ma pensa, immagina, ascolta e genera azione.

Il percorso unisce pratiche provenienti dal movimento scenico, dal teatro fisico e dal lavoro corporeo, in un dialogo costante con la formazione attoriale. L’attenzione è rivolta sia alla dimensione tecnica sia a quella percettiva: sciogliere automatismi, ampliare le possibilità espressive, rafforzare la presenza, la fiducia e la capacità di stare dentro una partitura individuale e collettiva.

Il corso accompagna gli allievi e le allieve nell’esplorazione del corpo come strumento espressivo, narrativo e relazionale, attraverso una pratica che intreccia training fisico, percezione, composizione, dinamica individuale e lavoro di gruppo. Si lavora su postura, peso, appoggi, coordinazione, impulsi, relazione con il partner, uso dello spazio, qualità del gesto e capacità di rendere il corpo uno strumento scenico leggibile, disponibile e autentico.

È un percorso che mette in dialogo teatro, circo, acrobatica, equilibrismo, giocoleria — intesa anche come uso alternativo degli oggetti — e pratiche di ascolto corporeo. Qui il movimento non viene affrontato principalmente come forma coreografica o come linguaggio stilistico autonomo, ma come materia attoriale: un allenamento alla presenza, alla relazione, al rischio, alla fiducia, alla gestione dell’energia e alla costruzione di un corpo capace di agire scenicamente.

Il corpo non viene portato verso un modello da imitare, ma verso una maggiore disponibilità, intelligenza e coscienza. È un corpo allenato, che impara a sentire, scegliere, reagire, sostenere l’azione e rendere visibile ciò che accade dentro la scena. Per questo il corso rappresenta un elemento particolarmente prezioso all’interno della formazione AMA: offre agli attori e alle attrici strumenti concreti per integrare il movimento nel proprio percorso espressivo, rafforzando quella completezza scenica che oggi è sempre più necessaria.

DANZA E MOVIMENTO
Comprendere l’importanza del movimento e della pratica fisica è un aspetto fondamentale nella formazione teatrale. Il nostro corpo è lo strumento attraverso il quale andremo ad esprimerci, il corpo parla, si muove, suona, diventa un potente mezzo di comunicazione. Il punto di partenza saranno l’ascolto e il bisogno, una volta comprese le esigenze andremo a conoscere più a fondo possibile il nostro corpo. Fondamentale sarà acquisire un training fisico per essere sempre preparati e pronti ad accogliere qualsiasi forma di studio e lavoro. Attraverseremo elementi di danza, contact, improvvisazione istantanea, partiture coreografiche, cercando di abbandonare le tensioni per acquisire confidenza e consapevolezza.
Il nostro obbiettivo sarà agire, in maniera libera e consapevole, riscoprire la danza, la nostra, come forma di presenza, e non di rappresentazione.

La voce : funzione sociale della respirazione
L’emozione e la voce
Stage sull’educazione della voce condotto da Roberto Petruzzelli

La “ voce “è lo strumento fondamentale che l’attore usa per poter comunicare sul palcoscenico. E’ nostra convinzione, tuttavia, che la parola non sia appannaggio solo degli attori o cantanti, ma anche di altre categorie di persone (insegnanti, avvocati, rappresentanti, ecc.), che fanno della fonazione un uso ampio e intenso.
Il laboratorio si propone di trattare strumenti concreti per poter entrare in contatto con la propria dimensione vocale attraverso l’uso CONSAPEVOLE della respirazione, della postura fisica, della fonazione e dell’articolazione.

Programma del laboratorio:

• ELEMENTI DI FISICA ACUSTICA Il suono e le sue proprietà:altezza, intensità, timbro.
• LA RESPIRAZIONE Gli organi della respirazione. Esercizi.
• LARINGE E CORDE VOCALI Esercizi per l’estensione vocale
• ARTICOLAZIONE Esercizi per le labbra, labbra e denti, lingua.
• FONETICA E ORTOEPIA Posizione corretta del sistema di articolazione
• IGIENE VOCALE
• COLORI DELLA VOCE.

Conduttore Roberto Petruzzelli, attore. Diplomato alla scuola del Piccolo Teatro di
Milano, ha poi conseguito il diploma in logopedia presso la facoltà di Medicina e
Chirurgia dell’Università di Bari, specializzandosi nell’uso della voce.

Dall’idea alla sceneggiatura. Gli step della scrittura cinematografica: idea, soggetto, scaletta, sceneggiatura. 
L’idea: come nasce, come capire se è valida, come svilupparla.
L’importanza della semplicità, la difficoltà della semplicità.
Il soggetto: come si scrive, come si riscrive. La trama e il personaggio. 
La scaletta: come scrivere una scaletta funzionale, come metterla alla prova.
Ultimo passo: la sceneggiatura. E le sue molteplici riscritture.
Esempi e analisi dei vari step.
La scena. Di quali parti è composta. Come interagiscono il verbale e il visivo all’interno della scena. Perché è importante conoscere a fondo il personaggio per scrivere una buona scena. 

Scrittura della scheda di un personaggio: chi è, da dove viene, come parla, quali sono i suoi desideri e le sue paure. 
Analisi di una scena muta. Analisi di una scena dialogata. 
Prove di scrittura di una scena e discussione collettiva.
Visione e analisi di un cortometraggio. 
Stesura di una scaletta desunta. Entrare nella struttura di un’opera esistente per capirne il funzionamento. Perché sono state fatte quelle scelte? Se ne potevano fare altre? Discussione delle idee e loro sviluppo. 
Prove di stesura di una scaletta alternativa dell’opera visionata e discussione collettiva. 

Corso di Drammaturgia di Walter Prete
PROGRAMMA PRIMO ANNO

Sinossi
Il corso introduce le allieve e gli allievi attori ai fondamenti della scrittura drammaturgica contemporanea, intesa come pratica viva e strettamente connessa al lavoro dell’attore.
Ispirandosi alle teorie drammaturgiche e della narrazione complessa, il percorso propone un approccio che integra struttura, personaggio e azione scenica, favorendo la costruzione di storie stratificate e non lineari. Attraverso un’alternanza di esercizi di scrittura, improvvisazione e analisi, le studentesse e gli studenti saranno guidati nello sviluppo di una propria voce autoriale, imparando a concepire il testo non come elemento chiuso, ma come dispositivo aperto, in dialogo con la scena e con il gruppo.

Obiettivi formativi

• comprendere i principi base della drammaturgia (conflitto, azione, struttura),
• sviluppare personaggi credibili e dinamici,
• costruire brevi scene teatrali,
• lavorare sulla scrittura a partire dall’improvvisazione,
• riconoscere e utilizzare elementi di narrazione complessa (multi-linee narrative, evoluzione orizzontale dei personaggi),
• collaborare alla creazione di materiali drammaturgici collettivi,
• rafforzare la consapevolezza del legame tra scrittura e interpretazione.

Il corso affronterà i seguenti nuclei tematici:

• Le forme della narrazione
• Elementi base della drammaturgia (azione, conflitto, obiettivo, ostacolo),
• Il personaggio, ambiguità e complessità,
• Strutture narrative contemporanee, linearità vs complessità
• Scrittura e scena
• improvvisazione come strumento drammaturgico,
  scrittura collettiva,
• Analisi lettura e visione di materiali teatrali classici e contemporanei,
• discussione e rielaborazione critica
• Metodologia didattica

Il corso ha un’impostazione laboratoriale e partecipativa:

• esercizi pratici individuali e di gruppo
• improvvisazioni guidate
• momenti di confronto e restituzione
• brevi consegne di scrittura

• Ala Benedetta
• Annese Sofia
• Bracco Damiano
• Buono Rocco
• Caprioli Lucio Ennio
• Gualtieri Fausto
• Mancino Samira
• Marangio Arianna
• Nuzzo Sebastiano
• Nestola Karola
• Romanazzi Andrea

• Benedetta Ala
• Samuele Angoni
• Sofia Annese
• Damiano Bracco
• Rocco Buono
• Silvia Frisa (non ammessa al secondo anno)
• Arianna Marangio
• Sebastiano Nuzzo
• Andrea Romanazzi
• Edoardo Sartori (non ammesso al secondo anno)

• Stefano Adriano Marzano
• Dafne Serratì
• Miriana Moschetti
• Arianna Alfarano
• Samuele Ingrosso
• Alice Maffei
• Samuele Spagnolo

• Arianna Alfarano
• Samuele Ingrosso
• Alice Maffei
• Stefano Adriano Marzano
• Chiara Montinari
• Miriana Moschetti
• Anna Retucci
• Dafne Serratì
• Samuele Spagnolo

• Bircaj Ermelinda
• Capodieci Enrico
• Contaldo Luigi
• Guido Elisa
• Longo Daniela
• Mele Veronica
• Pepe Sophia
• Petrachi Domenico
• Preite Alessandro
• Sciuscio Federica
• Stefanizzi Francesco
• Zecca Oliviero

• Cartolaro Letizia Pia
• D’Antona Simeone
• Gargiulo Maclean Morgan
• Giannotta Cristiano
• Guido Elisa Antonia
• Inguscio Francesco
• Marullo Michele
• Pati Benedetta
• Severi Carlo Maria
• Tantane Sarah
• Tarantino Carmen Ines
• Tucci Maria
• Zecca Assunta
• Zecca Oliviero

• Careccia Isabella
• Cartolaro Letizia Pia
• Compagnone Marianna
• De Benedittis Maria Rosaria
• De Mitry Dario
• Di Pace Angelica
• Ingrosso Eleonora
• Inguscio Francesco
• Margiotta Maria Gabriella
• Marullo Michele
• Padula Matteo
• Pati Benedetta
• Perrone Diego
• Petillo Chiara
• Piccinni Giulia
• Sabetta Antonella
• Tarantino Carmen Ines
• Tucci Maria
• Zecca Assunta

• Angelica Di Pace
• Chiara Petillo
• Giulia Piccinni
• Lucia Macrì
• Gabriella Margiotta
• Diego Perrone
• Antonella Sabetta
• Dario De Mitry
• Simone Maci
• Marta Petracca
• Alessia Rosato
• Matteo Padula
• Elisa Murrone
• Maria Rosaria De Benedittis
• Isabella Careccia
• Paolo Stanca